摘要：在中国画艺术的表现形式中，留白是独特而重要的形式。起源于我国的哲学虚实，留白能让中国画留下空间的感觉，让观赏的人去感觉、联想，浸淫其中。从艺术表现、情感表达的角度、如何在构图中考虑位置等阐述留白的意义，希望对今后的国画艺术发展具有一定的帮助。

关键词：中国写意画；留白；意境表达

Abstract：In the art of Chinese painting， blank space is a unique and important form.A philosophical fiction that originated in our country.To create a unique sense of space in Chinese painting.And leave the viewer with endless reverie and contemplationFrom artistic expressionthe angle of emotional expression.How to think about position in a composition.I hope it will be helpful to the development of Chinese painting in the future.

Key words：Chinese freehand painting；Blank space；Expression of artistic conception

关于留白艺术。就是一种空隙感。要留空间，留有余地。就像我们在建造室内装修的时候，我们所处的环境一定不能是拥挤的。我们一定要给自己留下符合人机工程的空间。在国画中，留白艺术作为其精髓之一，更是独具魅力。它不仅是画面构图的一部分，更是一种情感表达、哲学思考和审美追求的体现。

留白，是中国画对虚实关系的智慧处理。黑实白虚，以无写实，似无意为之，却意蕴无穷。留白的经典著作，自古至今，数不胜数。比如南宋马远《寒江独钓图》，清朝石涛和朱耷的画，无不是画面大部分空白，惜墨如金。齐白石画的虾（没有画水），徐悲鸿画马，郑板桥画的竹，南宋马致远《寒江独钓图》，清八大山人和石涛的画，看似寥寥几笔，却让人感觉到水的清澈，马奔跑的速度，回味无穷。这就是留白的效果。“不着一笔，尽得风流”。于补白与留白之间行之有道，方可助力绘就人生万卷彧彧花繁。人生境界，心同流水。使画面有空间感，同时，留白也折射了中国传统文化的哲学魅力。“白”即“无”，“无”喻“无为”之意，画面中有“无为而不为”的效果。中国水墨画气韵与妙造的留白，让“无中生有”达到了一个智性的效果。留白是一种心境，身比闲云，月影溪光堪证性；心同流水，松声竹色共忘机。身在江湖，所以不用着墨江湖，这就是留白的意义所在：无，即是有。留白还是一种境界，所谓看山是山，看山不是山，看山还是山。人生的艺术就在于此，无需赘言，无声胜有声，是留白，是智慧，是参禅。中式美学中的留白是一种精妙而独特的艺术手法，通过空间的运用和留白的处理，传达出含蓄、内敛、平和而深邃的美感，留白不仅是一种审美原则，更是一种思想和态度的体现，带给人们一种超越物质的精神愉悦和启迪。中国画与西方绘画最大的不同之处，就是前者空，后者满，前者写意，后者写实。言有尽而意无穷。所谓“无画处皆是妙境”，景愈藏境愈大而意愈深，虚实相生，自然皆成妙境。

一、中国画的 “留白”

其实很多人对这个留白有一定的误解，认为在画面上纯粹留下空白，就是留白。没有这么简单，水墨画与西方素描都是单纯的黑白来描绘景物的，素描里也有空白，难道说西方素描也有留白吗？这样说来，留白就不是中国画的特色了。显然，这种说法是错误的，实际上，中国画的留白，是有很大的学问的。这里要谈到一个关于“气”的问题，说白了，中国画的空白就是“气”，根据画面取舍，向着一定方向形成动势，形成“气局”。不管画之大小，气局要大。虽咫尺却有千里之势，虽丈许却凌乱松散，也不形成气局。中国画的构图，即经营位置。气局、气运之妙，赋予了中国画的生命活力，在画中产生动感、局势。留白是中国画的一种手法。所谓“此处无物胜有物”，正是中国画通过留白来表现意象的美学追求，展现中国画独特的审美艺术境界。留白经历了先秦、两汉、魏晋、隋唐五代、宋元、明清，从它的出现到它成为绘画当中的艺术语言，这个过程也伴随着中国画的发展，画家的思想变化也在不同程度地影响着中国画当中的留白变化。

二、中国画的精髓――“留白”

（一）“留白”与”气韵 “

1.“气韵”

说到中国艺术，便逃不过“气韵”二字，自南朝谢赫提出“六法论”后，其中的“气韵生动”便被称为“六法”中的第一法，在中国美术史上占据着极为重要的地位，“气韵”这一观点贯穿着整个中国美术史，成为中国绘画的品评标准，画者们纷纷通过“气韵生动”来营造出自己所描绘事物的生机与精神，来创造出一种想要表达的“意境”。气韵是国画中的一种特殊审美形式。它表现在作品的画面中，让人们通过视觉、听觉和触觉感受到创作者所要表达的意境。绘画大师们运用不同的笔法来表现出这幅画的神韵，使其具有独特的艺术魅力。“气韵生动”是中国画的审美标准。什么是“气韵”？就是“风气韵度”的略语，谢赫虽未做明确解释，但他在对许多画家的评论中提到“神气”、“生气”、“情韵”、“韵雅”等。要求画家在画人物时，特别是画肖像时表现出来，而不是单纯是外形的肖似。元朝画家黄公望的《富春山居图》，居中国十大名画之一。描绘浙江富春山的秀丽风貌，山水的布置疏密得当，干湿并用，用墨淡雅，笔势雄伟，变化无穷，既有浑厚华滋的笔墨效果，又形象地再现了山水的秀丽外貌，把富春山美的特征抒发淋漓尽致。《富春山居图》采用平远构图法，亲切而自然。真乃“清水出芙蓉，天然去雕饰”。后人称之为“画中之兰亭”。齐白石曾说过“绘画的神韵妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则欺世”。这便是对《富春山居图》的真实写照。

2.气韵生动与情感的融合

“留白”需要根据画面来布置，就好比一首歌曲，有慢板，有快板，有延长音，是缓慢的，抒情的，有节奏快的音律，是富有激情的，留白在整体画面就好比修饰一首音乐的节奏型。

我曾问过一个中国水墨画家，如何评判一幅中国画的优劣？他回答“要有意境”。“画是无声诗”。一张国画要有意境才能体现出画家的感受和对象特征，产生诗意，只有情景交融才有诗意，才有诗的形象。“意中有意，味外有味的形象才是耐人寻味的艺术形象”，这就是意境。一张好的画对看画的人会记忆尤甚保持强烈的吸引力。。这就要求艺术家在创作中，既要做到画面的气韵生动，同时融入画家的情感。

山水画描绘的是自然，但并不是自然山水的如实写照。这和外国的风景画不同，并不满足于对景物的如实描绘，而要“搜尽奇峰打草稿”。要有画家的思想，画出心中的山水。不像素描那样讲究焦点透视，光暗调子。画家就像一个指挥千军万马的军官，随意调遣山川木石，完美组合。可以从一草一叶中品味出诗意，也可以凌空俯视层峦叠嶂，抒发感情。情景交融，既有主观景物，又有客观感情，才是中国画气韵与情感的融合。

对于自然景物，能否“入画”，这是一个中国画家对生活的亲领、体会以及感受的问题。面对自然之景，画家要进行取舍、考虑等等。中国画家既要重视实景写生，也要重视孕育成熟后的创作，要有感而画。当然，感受来自于生活，并不仅仅是现实生活，而是画家感受中的生活。“外师造化，中得心源”艺术上才有新的生机。这一点，对于目前的艺术创新者来说，是宝贵的经验。

中国画由宋元时的工笔画到明清文人画，由形象到笔墨情趣的追求。特别是写意花鸟画中，淋漓尽致的抒发胸中逸气。八大山人的画笔墨技艺既凝炼简括，又变化微妙，充分的体现了画家的思想感情。

中国画发展到当代，在继承和发扬笔墨艺术美感的基础上，加上素描的基础，形神兼备。这不仅有助于培养艺术家的观察力和造型力，更体现出画家的艺术魅力。对于艺术家的造型手法、笔墨情趣的要求更高。这一点在花鸟画中体现尤甚。画家要有高超的笔墨功力，一点败笔，一处犹豫，整幅画便失败，一笔之中尽显笔墨功力，还要有景有情，呈现出内涵美、技艺美、形式美。这才堪称之谓精品。

（二）“留白”与意境

1.“虚实相生” 的意境

“虚实相生”是美学原则，是意匠手段，是意境构成的主要表现方式。创造意境的方法，主要通过意象的选择组合，虚实结合，以空间来扩展画面，使境界更为广博，意境更为深远。虚中有实，实中有虚，以虚映实，以实显虚体现着绘画对象审美特性的全面把握，凝聚着画家的匠心与安排的技巧。虚实是生成意境和气韵的重要手段，主要体现在构图上。“计白当黑”，是对中国传统书法、绘画的要求。在注重黑色的同时更要懂得空白的作用和价值。虚与实是中国画意境生成的主要表现形式。以实衬虚，产生“气韵”，引发观者审美想象。烟霞雾霭、水影天空，在画面中，都以虚空为主，云彩虚实变幻的灵动意象，让画家创构出云雾缭绕的意趣。让观赏者领略如坠仙境般的象外意境，获得心灵上的安顿。比如南宋马远的《寒江独钓》，画面中只画了大江中的一叶扁舟，就巧妙地以大片空白突出了垂钓者的悠闲和江水的辽阔。画家为了表现空濛的空间感及浓郁的诗意，留出大幅空白以突出景观，通过大胆的剪裁取舍，高度提炼，使画面情景交融，描绘出诗一样的境界。虚实与意境的关系，密不可分，意境美产生和形成，体现了画家对作品“虚实相生”的凝练概括。让观赏者产生情感共鸣。有了虚实才能产生意境，“虚实相生”方能达到神化之境。我们在绘画创作的时候，还要深入观察，认真思考，细致描绘，方能起到好的效果。

2.“心物交融” 的意境

中国绘画不是客观物象的摹拟。中国画的意境是画的灵魂。中国画画作皆以意境为先，作者时刻注意表现对自然界的内心感受和画面的整体效果以及画中境界的表现，使画面足够体现自然界即时氛围，并从 “具象”到“意象”的涵义上着手，注重描绘自然景色的美，让观看者能自然而然体会到似乎自己已经融入自然界之中，有心境空灵，灵魂净化之感。画家在自然界和生活中，获得真切的感受。在“心物交融”的往复中，溶进画家的情思、美学理想和艺术追求，这种精神上的活动，绝不是机械的被动，它超越了现象世界的态度，体现了传统艺术精神重神韵的特质，也充分体现“物我交融”“天人合一”的写意精神。这种观念具有极强的生命力，绵延数千年。

三、留白在中国画构图中的作用

简单说留白的作用就是透气，深远，意犹未尽。国画讲写意，留白处正是笔未到意已至的美妙所在。可以提前深思熟虑布局构图确定留白，也可以是妙手而得，再添一笔即有画蛇添足之嫌的留白。好的留白各有各的妙处，需要自己体悟。不好的留白只能造成画面空，散，乱，高手低手相差就在这寸许墨间。留白在中国画艺术中的作用主要体现在以下三个方面：

（一）突出画面主体

画面主体就是画面的主要对象。观察一幅画，不可能面面俱到，对于刺激感官的，引起兴趣的事物会首先引起注意和共鸣，首先吸引你的是画面的主体。古人讲“宾主朝辑”，在中国画创作中，处里好画面的主次关系，画家就得在画前构思好画面的主体与宾体的位置，让主体突出，目标清晰、明确，对于宾体（次要的物体景象）则尽量淡化。往往会充分地利用人们在这方面的习惯进行画面的布置与设计，使描绘目标更加清晰和明确。有些人为了强调主体，把主体物置于画面正中央，这样不好，显得太呆板；能不能把主体物放置于边角呢？这样主次不分，主题不突出，更不可取。各人观察事物的习惯和方式有所不同。一般来说，对于自己喜好的物象，注意力会高度集中，明察秋毫，反复琢磨。而对于自己不感兴趣的，不能引起自己感官共鸣的往往被忽略。为了使主体更为突出，有时会运用大量的留白作背景，表面看来，画面简约、虚淡，但更突出画面的主体，使主体更鲜明突出，更有表现力了。给欣赏者感官上带来冲击、震撼，视觉效果进一步增强了。

（二）体现画面层次感

体现画面的层次感，让画面不出现呆板。首先创作国画是结合生活中最真实的形态来描绘的，比如我们站在不同的一个角度，远望眼前的景色，近景和远景的一个对比，它们之间清晰度的表现又是怎样的一个情景，这就是画面的取舍，远处是缥缈模糊的，近处离我们视线比较近，它突出的面积也是比较大的，远处离我们的视线比较远，它的面积看起来比较小的，由近大到远小突出画面的层次感。无论是山水画还是花鸟画，都要对作品的意境营造，为情感表达、展现主题产生好的效果，这就要利用留白强调画面的疏密对比。就比如画一个山脚，画好山石，把空白的地方挤出来就是水，这是一种留白的水法表达。通过画山石而挤出水来，就是留白的一种状态。留白，可以说是中国画独特的创作方式。

（三）塑造良好的意境

老子认为，“天下万物生于有，有生于无”，“大音希声，大象无形”，在这种哲学思想基础上形成了“虚实相生”艺术理论。“虚”即空灵境界或虚像，只可体味而摸不着、看不见；“实”是客观世界中的真实景象，物象、景色等，“虚者实之，实者虚之”。虚实是可以相互转化的。

在艺术创作中，“传统水墨有着宋代以来的平淡美学自觉以及董其昌绘画上对淡雅的极致追求，当代艺术家蓝春雷水墨画创作追求至净、至纯、至简、至素。以纯粹的线条艺术描绘至简大道，给我们的眼睛及心灵带来一丝放空。以闲散随心之笔保留山水草木简约素淡的形态，意境淡远。米友仁《潇湘奇观图》中，树木、山峦、岩石等若有若无、迷蒙飘渺，在雾气的笼罩下，若隐或显的山峰衬托出大面积的云雾，意境苍茫浑厚、平等幽深。黄宾虹的《松窗静眺图》中，山峦叠嶂、云雾缭绕，林木葱葱，山间小路盘旋而上，山石、松柏，时隐时现。画面生动灵秀，虚虚实实，画家以留白手法表现白云和山水，意境朦胧含蓄。

中国美学“留白”之三重境界可以概括为：

第一重：空白。为白而白，是为空白。

第二重：虚白。似白非白，以虚入白。

第三重：无白。见白非白，白由心生。

四、结语

中国画留白具有很高审美价值，也是最具中国画特色的表现形式之一。历代画家无不以留白手法创造、悠远、幽远的境界，体现着画面的灵动感，表现自己的人格理想和审美情趣。