打开文本图片集

摘要：本文以舞台剧《红月二月花》的服装创作为案例，通过对剧本和人物进行分析，结合跨界融合的艺术表演形式，虚实结合的舞台视觉风格。以当代观众对舞台艺术的审美原则，运用“意象创造”的创作方法，用“夸张、变形、寓意、象征”等表现艺术手法，进行了该剧的服装创作。在这一过程中详细的分析了创作构思和制作体现的全过程。并总结了几点创作感悟，为以后的舞台服装创作提供了宝贵详细的实践经验和真实可靠的参考价值。

关键词：跨界融合；舞台剧；舞台服装创作

绪 论

跨界融合舞台剧，是近年来出现的一种综合性的探索新表演形式的舞台艺术作品，可以说是新时代文化产业飞速发展的产物。在当今新时代的发展下，单纯的艺术表现形式已经不能满足所有观众对艺术作品的审美需求，所以出现了一大批各种跨界融合的舞台艺术表现形式的新探索。舞台剧《红月二月花》就进行了跨界融合的大胆尝试，把舞剧的“动”融入话剧的“静”结合在一起，形成张弛交错，动静相宜的艺术效果。满足了更多平民观众对高雅艺术的向往，使观看者更易接受更易领悟舞台艺术作品表达的思想内涵。

这类舞台剧即是新时代的产物，也能体现新时代艺术家的思考和观众的诉求。根据整部舞台剧的艺术定位和表演形式和舞台视觉风格，服装设计者要全盘考虑，既要尊重历史，仔细研究历史文化背景，也要尊崇当代的审美趋势，结合现代人的审美习惯，结合意象思维的创作方法和现代技术，用“夸张、变形、寓意、象征”等表现艺术手法，创作出符合当代美学风格的舞台服装。为剧中人物塑造一个适合剧中人物性格，情绪发展，符合现代化的中国美学原则的整体人物形象。

一、舞台剧《红于二月花》的艺术定位

（一）跨界融合表演形式的探索

“艺术家往往倾向于以形式为艺术的基本，因为他们的使命是将生命表现于形式之中。”[1]本剧大胆尝试跨界融合的表演形式，跨界的本质：是整合、是融合。通过自身资源的某一特性与其它表面上不相干的资源进行随机的搭配应用。可放大相互资源的价值，甚至可以融合一个完整的独立个体面世。从某一属性的事物，进入另一属性的运作。主体不变，事物属性归类变化。舞台剧《红于二月花》把舞剧的“动”融入话剧的“静”——通过独白（话剧）带领观众走进女主人公的内心世界，于意念中回到她过往的青春岁月（舞剧），意在获得张弛交错，动静相宜的艺术效果，特别是对女主人公“一个人物、两个形象”的设计，是本剧的一大特色和亮点。这个剧从导演到主创全都是本地团队，做的也是本土的故事。无论在音乐上，从舞美上，都是以湖湘特色为依据。

（二）虚实结合的舞台视觉风格

虚实结合就是把抽象的述说虚拟空间与具体的场景道具结合起来，或者是把眼前现实生活的描写与回忆、想象结合起来。程砚秋在1933年已提出“写意的演剧本”。研究写实与写意这两种戏剧现象时，我们也需要一种整体的观察问题方法，不能顾名思义，以为写实唯实，写意唯有意。我们应该承认，无论写实与写意，它们都具有作为艺术而存在的基本要素。它们的区别在于这些要素的相互关系，或者说结构不同。[2]

这个剧从表演形式和整个舞美视觉风格都采用了虚实结合的表现手法。如舞蹈的“虚”和话剧的“实”结合；年轻锦云的“虚”和老年锦云的“实”结合；群舞角色的“虚”和主演人物的“实“结合；满场飞舞枫叶的“虚”与绣品陶罐的“实”结合；舞台空间也时而梦境，时而现实，虚虚实实相容交错。

二、舞台剧《红于二月花》的服装创作构思

（一）剧本及人物分析

“红于二月花”是一个意象，取自唐朝杜牧《山行》中诗句“停车坐爱枫林晚，霜叶红于二月花”；红既是爱晚亭枫叶之红，也是湖湘儿女的火热情怀，革命热土的忠诚赤胆。“轻捻红黄蓝绿纱，绣一幅红叶映彩霞；姐姐的心思你可解，彩霞映叶叶映霞……”一位是绣庄的小姐，绣技巧夺天工，一位是陶窑的工艺师，品位超凡脱俗。本是一见倾心的两人，却奈何命运的安排错误终身。该剧讲述的是一个湘绣传承人凄美悲壮的爱情故事，它通过一位绣娘的人生命运，折射出湘绣人对湘绣艺术的大爱情怀，感动于他（她）们身上所表现出的“生为湘绣人，死为湘绣魂”的情操气节。以“老年锦云”的独白为纽带，以绣庄小姐“锦云”与陶窑工艺师“青山”的爱情为主线，以麓山红枫为精神象征符号，展示湘绣、铜官窑、长沙山歌等独具地域特色的传统文化和人文风情。

剧中主要人物分析：“老年锦云”整剧的主人公，话剧演员，整剧的剧情以她的回忆录诉说的形式推进。“锦云”贺家绣庄小姐，一个爱国爱民族，执着勇敢，宁死不屈，为大爱牺牲自己的中国传统女性。“青山”铜官窑陶艺画师，与锦云情投意合，误认失去爱人，从军报仇的热血青年。“钱少爷”爱慕锦云的，为得到爱慕的锦云，与日本人佐田勾结，逼锦云交出绣谱，误杀贺老爷。“佐田”日本人，逼锦云绣日本天皇图，以帮钱少爷得到锦云为诱饵，要他强迫锦云交出绣谱。“贺老爷”绣庄老板，为保护女儿和绣谱，被杀。

（二）素材及背景研究

“心花血雨绣染的那片片丹枫”，以上个世纪三十年代初的长沙古城为背景，围绕国家级非物质文化遗产——“湘绣”的保护和传承来展开剧情，从江边初遇、绣庄重逢、风云突变、生死护绣、岁月坚守等情节推进中，一步步领略到湘绣、铜官窑、长沙山歌等独具长沙地域特色的传统文化和人文风情，感受到长沙人民勤劳智慧、热情火辣的朴实情怀和不懈追求、不屈不挠的精神品格，从而歌颂了在历史长河中凝结着劳动人民非凡智慧的创造与发明，认识到优秀传统文化是中华民族的“根”和“血脉”，必须生生不息地传承下去。

采风第一站：沙坪湘绣基地。湘绣起源于民间刺绣，有两千多年的历史。从长沙战国楚墓和马王堆西汉古墓出土的大量绣品中，可以窥见当时湖南地方刺绣技艺已经达到令人惊讶的高度。经过长期演变，形成了以中国画为基础，溶西画技法于一体，以近百种针法和多种色阶的绣线。二十世纪初湘绣以其独特风格，在国内外获得多项殊荣，成为饮誉世界的中国四大名绣之一。第二站：长沙铜官窑。铜官窑是中国唐朝彩瓷的发源地。出土的瓷器极富艺术创造性，不仅种类繁多，而且造型别致美观，样式新颖多变。“长沙窑是我国釉下彩的创始地，对宋以后瓷窑有极大的影响……，为天下第一，也不过份。”第三站：山歌传承人居所。长沙山歌历史久远，可追溯至楚国，直至20世纪70年代，悠长动听的山歌在群山丘壑中袅绕，千年不绝。长沙山歌深受楚文化的影响，具有浓郁的浪漫主义色彩，保留着它的原始形态。同一首名字的山歌，地域不同，唱法不同，它伴随着历代长沙人民的生活习俗和劳动生产，从各个不同的角度和方面，反映着长沙人民的思想感情和理想愿望，流传至今。

（三）设计创作构思

《周易》：“子曰：书不尽言，言不尽意。……圣人立象以尽意……”

意象，中国古典美学用语。指文学艺术家主观情意与外在物象的结合。文学艺术家在创作之前和创作之中，以主观情感去感受物象，在头脑中形成“意象”，然后借助于艺术表现的物质手段，外化为艺术作品中的形象——这种形象也是主观情意与外在物象相结合的产物。[3]

意象思维，强调以设计者的主观情感去感悟“规定情景”中的人物，追求“物、心”结合，并运用表现性的艺术手法，将心目中的“意象”具体转化为意象化服装，为人物传神、抒情、外化其性格、品格、气质及心理。这样一种形象思维方式，广泛涉及“写意”美学原则的具体落实，“夸张、变形、寓意、象征”等表现艺术手法的具体运用。[4]

艺术的故事一书中也说“没有艺术这回事，只有艺术家而已。”由此可见，艺术家决定了艺术作品。本剧在创作构思阶段，运用了“意象思维”创作法构思该剧的服装。如：枫叶舞用象征手法，服装就是片片枫叶的感觉，与舞美的枫叶景配合起来，满台的枫叶，随心境舞动，极致的纯粹。又如陶罐舞用寓意、变形手法，将陶土与男人的刚硬结合，劳作的汗水和男人的力量，配合舞美烧窑的火焰，烘托出满场的热血沸腾。又如染纱舞用色彩寓意手法，清新淡雅的染纱女在浪漫的山野染纱，淡绿、淡蓝和牙黄色的搭配，在配上精致的小头巾，半长的袖子，即是劳动又不失俏丽的少女气息，让路过的挖泥的陶工们看傻了眼，被她们的美吸引过来对起了山歌。整剧服装追求干净、简洁、高级、纯粹、极致的美感。如图1服装效果图。

1、主要演员服装的定位

“意象思维”是综合设计的灵魂。从整据出发当然要顾及全剧人物关系，在做全剧设计构思的时候，创作兴奋点不同，有时对某个角色深入，有时又找不到感觉，有时形成平行推进，有时难以突破进展，这些在设计过程中是难免的。就像绘画一样，近看远观，主要演员的服装也需要与群众配合对比，不断的推敲。[1]

“锦云”这个角色在剧中“一个人物，两个形象”，一个是老年锦云，一个是回忆中当年的年轻锦云，两个演员一个是舞蹈演员，一个是话剧演员。表演形式和年龄都相差甚远，怎么体现她们在剧中就是同一个人物，这让我陷入了思考。“枫叶”这个整剧的象征符号成为了她们相连的元素，用“红枫”的色彩进行呼应，老年锦云的围巾和年轻锦云身上的红都用同一色系。还用“枫叶”变化成各种适合的图案，进行呼应。摆放在两个锦云的身上，即是装饰图案，又是象征语汇。如图2披风下摆凌乱的枫叶，图3旗袍胸前精致的枫叶。

“青山”这个角色在剧中既要有劳作的体现，又要有抒情飘逸的体现。所以在他们服装上用了两根腰带，劳作的时候就带上腰带，抒情的时候就取下腰带。颜色也用了陶工的黄色系加一点过渡，是他看起来即有泥土的气息又诗情画意。用一根腰带解决了一套服装两种用法，如图4飘逸、图5劳作。

“钱少爷”这个角色在剧中是个有些从洋又软弱的人物，所以给他一身洋派衬衣、马甲、西裤，刻意在马甲背后和胸前都用了粉紫色的色彩，寓意他的性格特征，和对锦云深切爱慕的渴望。如图6胸前的淡紫色、图7马甲背后的淡紫色。

2、整剧情绪发展的变化

全剧从开场的清淡染纱场景，到后面的浓烈火焰有力量感的铜官窑制陶，再到梦境中的“红枫林”为全剧的高潮，整台都是“红枫”飘落满台，舞蹈演员全是“红枫”的化身，将全剧推向色彩和情绪的高潮。服装作为舞台视觉中重要的组成部分，当然要根据整剧的情绪发展起伏走。为营造舞台整体的色彩情绪画龙点睛，锦上添花。如图图8染丝、图9陶窑、图10枫林。

3、群众演员服装的整体性

根据主演服装的定位，来划分群众们的服装的基本走向和色彩搭配。

如庆典那场所有贺喜的群众们，男女老少各种服装造型和款式，展示了那个年代丰富的服饰风貌。即统一在群众的整体感中又有区别于每个个体特色。如图11。

铜官窑那场，群众演员即是陶工又是陶罐，所以服装的上半身是有力量感的肌肉服加泥巴的肌理效果，下半身的整体造型是以陶罐为设计元素，变形而来的大裤子。体现了陶工的力量感和陶罐的造型感。人和物的结合。如图12。

三、舞台剧《红于二月花》的服装制作体现

（一）把握廓形比例

舞台服装设计是一个系统工程。把握整体服装的大廓形和结构，调整好整个服装的比例大小及分割，特别是有特殊立裁和分割设计的款式，这个步骤是很重要，它为后面的成品样衣确定版型打好基础。如图13制版和白胚样衣。

（二）挑选处理面料

选定适合的面料相当重要，可以说设计师在选料的时候也是进行二度创作的过程，对于舞台服装的效果来说，不同的面料在舞台上和在生活中是有很大区别的，由于舞台的距离和灯光的影响，选择面料的时候就要考虑它的舞台感觉，一般来说舞台面料都会比近距离效果要做的更强烈一些，这样到了台上和灯光下就正好合适。在初选阶段也可以多找一些质地相近或效果相近的多几种面料，然后再在初选的面料中相互搭配来比较他们之间的效果，有些面料可能不能直接达到效果的还需要做复合、染色、压褶、刻花、水洗、数码印花、肌理等处理才能达到效果。设计师做好面料小样，把做好的面料小样贴在每张效果图上并做好标记，使用的位置和特殊要求都要先标注清楚，便于制作的师傅更容易看懂。我们这个戏大部分都是用的真丝类：如绉缎、双绉、真丝雪纺、乔其纱、顺于绉、真丝绡、丝绒等，因为舞蹈需要飘逸优美，真丝最合适，又上光又好染色，其它还用了很多的棉麻和织锦，用来塑造人物身份比较合适，劳动者和市井人物，用棉麻质地粗旷又有生活气息，也好做色做肌理。

例如：剧中第三场的陶工造型，上衣是用的弹力网做数码印，做出及真实又更立体的肌肉效果，再加上发泡胶做的泥巴效果，很像真实的泥工。裤子则是个泥罐的造型，用麻布做了褶皱处理，再刷发泡胶喷色。整个造型粗旷，有力量感，很符合陶工做泥罐的舞台效果。如图14面料选择和面料处理。

（三）染色绣花效果

舞台服装中，特别是舞蹈和戏曲服装染色是最常用的手法。在舞台灯光的影响下，面料吸不吸光直接影响它在舞台上的颜色呈现，颜色更是舞台服装的一个重中之重。服装的色彩直接影响整个舞台的情绪。我们这个戏中就用了大量的染色。我先确定需要染色的面料后，选定需要染色的色卡，有些是色标上的颜色，也有些是其它参考物体的颜色，有些做的过渡有些做的扎染效果。详细与染色的师傅沟通，并告知过渡染颜色的位置，扎染的效果等。最好是现场跟踪染色的全过程，及时看色及时反馈，这个戏很多都是几层真丝叠起来做的，有透的和不透的，及时比较及时看，避免返工对色彩的把握也会更准确。例如：第二场的绣女造型，这款服装上衣有两层，里面是绉缎外面是真丝绡，都是染色的，这个绡特别薄特别透，盖在过渡色的双绉上总觉得脏，两个颜色本来都很干净纯度很高，可是重叠起来就完全变色了。出现这个情况我们想了很多解决办法，最后只能换料了，把特别透的真丝绡换成了不透的双绉。如图15染色。

美工先用电脑模拟出绣花部分的配色效果，有的是直接绣在本布上，有些是绣在其它面料上再剪下来组合，还有些特殊一点的，需要加绳子或布料做立体绣或贴布绣的，一定要在现场绣块小样，确认无误后才可以大面积绣，绣花以后有些还需要钉珠、烫钻、圈金圈银、包边、钉扣等装饰，使图案看起来更加立体，丰富又精致。绣花和装饰的手法很多，各种各样都可以尝试，创新的图案、创新的材料、几种手法结合都是不错的选择。如图16绣花。

（四）舞台整体呈现

舞台整体呈现就是演员、灯、服、道、效、都齐了，在舞台上随着剧情的发展，场景的变化，情绪的起伏，环环相扣，演绎着动人的故事，一场视觉盛宴。这就是舞台艺术的魅力，它是每个部门紧紧配合，各尽其责，又各放光彩的艺术。如图17演出海报、图18首演谢幕。

四、舞台剧《红于二月花》的创作感悟

通过舞台剧《红月二月花》的服装创作，总结了几条经验感悟如下：

1.超强的创造能力，好的想法是作品成功的决定因素。

2.良好的沟通能力，舞台是门综合艺术，多行业的协作，沟通很重要。

3.灵活的应变能力，在舞台演出中，各种突发事件都有可能发生。

4.实干的匠人精神，怀着匠人精神对待每一件作品，是对作品最好的态度。

5.无畏的奋斗精神，创作就像实验，有成有败，坚持艺术的追求很重要。

舞台艺术是门综合艺术，提高自己的综合能力，把多年来所学的理论知识和工作中的实践经验结合起来，不忘初心的坚持对艺术的高追求，保持新时代的创新思路，踏踏实实的在作品中磨练、总结、提升自身的艺术修养。延着前辈老师们的步伐，在坚实的知识结构的基础上，丰富的实战经验的前提上，保持勇于探索、勇于创新、的态度继续前行。

结 论

中国舞台剧发展至今，就像美国罗伯特·科恩著的《戏剧》上说的，我们能对今日剧坛下什么结论吗？答案是否定的，原因不外乎我们永远不能对正在发生的事下结论。今日剧坛不仅回应着艺术家的创作和表现的冲动，也呼应着人类交往和相互了解的要求。它综合了作家和艺术家、演员和观众的冲动，孕育出一种媒介，它囊括了人类经验，代表了每个文化的希望和价值观。关于这一媒介永远写不出最后一章，也没有最终的分析和结论性的归类。惟一可以肯定的是戏剧艺术的生命和情感将永存。[1]

本文从舞台剧《红月二月花》的服装创作方面论述了整剧的艺术风格定位，及剧本人物分析、创作构思、服装体现等方面的具体分析，在整个过程中总结了一些舞台剧服装的创作方法和实践经验。这些经验感悟都是将来在工作中的宝贵资源，为以后做好舞台剧的服装设计工作打下了坚实的基础，具有真实可靠的参考价值。

该剧的创作正处于第二版修改提升中，一个好的舞台艺术作品都是在不断修正完善，经过多次打磨，最终才能得到一个好的呈现。作为主创人员的我们更是摆正自己的态度，对艺术的追求是永无止尽的，随着时代的发展，艺术的发展，我们自身的发展，一切都正在变化的过程中。通过不断的层层蜕变，走向更成熟，更完整，更高的艺术阶段。

参考文献：

[1]《艺术的故事》 [英] E.H.贡布里希 范景中 译 广西美术出版社

[2]《戏剧》 [美]罗伯特.恩科 著 费春放 主译 上海书店出版社

[3]《戏曲服装设计》 谭元杰 文化艺术出版社

[4]《舞台服装设计与技术》 潘建华 文化艺术出版社

[5]《戏剧与符号》 胡妙胜 上海文艺出版社

[6]《美学散步》 宗白华 上海人民出版社